Questions for: Ingrid Silva
Ingrid Silva transformed her own trajectory into movement, voice and inspiration. Born and raised in Benfica, in the northern region of Rio de Janeiro, the dancer began her journey at the age of eight as part of a social project and, since then, has broken barriers that the dance world insisted on keeping in place. Today, she is the principal dancer at the Dance Theatre of Harlem, in New York, where she also works as an activist and global reference in the fight for representation and diversity. Between symbolic achievements and historical milestones, Ingrid has been using dance as a tool for social transformation. Founder of the organization EmpowHer NY and co-founder of Blacks In Ballet, she is one of the great voices of her generation, on and off the stage.
BY/POR PAULA JACOB
Ingrid, you often say that your journey began with a pair of painted ballet shoes. Looking back at everything you have achieved so far—from Benfica to the UN—what would you most like to have heard at the beginning of your journey?
I wish I had heard that I did not need to fit into a mold to be enough, that my authenticity would one day be my greatest strength.
You have been exploring new forms of expression beyond dance, such as books. What has been driving your creativity at this stage in your life?
I have been driven by the desire to tell stories that go beyond the body, to translate the emotions, memories and experiences that run through me into words and movements. It is as if each new form of expression were an extension of dance, a different way of continuing to say what I need to say.
Has choreographing taken you to a new artistic place?
Yes, choreographing has been like opening a new door within me. It is different from dancing, because it has more to do with listening to others, creating space for other voices and bodies to tell their stories too. The process has been challenging, but deeply revealing. I am learning to trust my intuition more.
For years you had to paint your ballet shoes because there were no options for dark skin. Today, this has become a symbol of representation. How do you see the power of artistic gestures as a political act?
Art has a silent power that crosses barriers, and sometimes a simple gesture, like painting a slipper, carries a whole battle cry. I have always believed that living your truth is a political act in itself. When a black body occupies a space that has historically been denied to it, that in itself is art and resistance. The artistic gesture has power because it touches a place arguments often cannot reach: it sensitizes, questions and transforms.
The Blacks In Ballet project has impacted countless people. What have you learned from listening to and sharing the stories of other black dancers?
I learned that although our paths are unique, there is a shared pain, but also an immense strength that connects us. Hearing these stories, I realized that we are not alone, and that representation is not just about being on stage, but about paving the way for others to reach it too. It is a constant learning experience about resilience, belonging, and the beauty of rewriting narratives with pride.
Your speech at the UN was moving as it connected art, motherhood and the future. How have these issues intertwined in your life in recent years?
Organically, almost inevitably. Motherhood has broadened my horizons and made me look at the world with more urgency and hope. Art has also become a legacy, a way of caring for and dreaming beyond myself. And the future is no longer something distant: it has become personal and intimate. When I dance, create or speak, I always think about what I am leaving for those who come after me. Everything now has more purpose, more truth to it.
You often say that ballet was a bridge to the world—but access to that bridge is still unequal. How can we work to ensure that more black and marginalized children can cross it?
We need to start by acknowledging that talent is not born where there is privilege, it is born everywhere—what is lacking is opportunity. To change this, it is essential to invest in public policies, decentralize access to artistic training and value educators who work at the most vulnerable spaces. We also need to change the imagery: show that black and marginalized children belong in ballet, not as an exception, but as part of the history that we are rewriting together.
What role do you believe schools and social projects have in this journey?
They play a fundamental role in individual and collective development, especially in contexts of social vulnerability. They not only provide access to formal knowledge, but also contribute to the shaping of values, identity and citizenship.
You recently mentioned your desire to have your own dance company. Can you imagine what this space would be like and what your artistic mission would be?
Yes, I have been dreaming of this place more and more and, little by little, it is taking shape in my mind. A space where art would be a tool of expression, resistance and belonging, especially for bodies that have historically been marginalized on stages and in artistic narratives.
What do you hope for the future of ballet in Brazil?
I hope that ballet becomes increasingly plural, accessible and representative in our country. That it stops being seen as an elitist and distant form of art, and starts to reflect the real diversity of our country, with more black, marginalized, indigenous, trans and other body types being valued, not just as exceptions, but as a central part of the artistic scene.
How do you experience the connection between self-expression and resistance?
For me, self-expression is resistance. Every time I put my body on stage, with my story, my origins and my truth, I am affirming that I exist and that my voice matters. Expressing who I am, in a world that so often tries to silence certain identities, is a necessary political act.
EXTRA
When you look at your daughter in the audience, what goes through your mind? What do you hope she learns from everything you have built?
When I look at her in the audience, I see the purest reflection of why I keep going. It is a whirlwind: love, strength, responsibility. I hope she learns that she can occupy any space while being whole, without needing to shape herself to fit anywhere. That she understands that her story has value and that she can change the world with courage, sensitivity and truth.
When did you feel truly seen—and why was that experience significant?
When, after a show, a lady told me that she saw herself in my performance. At that moment I understood that being seen is being understood, and that strength lies in being authentic.
Ingrid Silva transformou a própria trajetória em movimento, voz e inspiração. Nascida e criada em Benfica, zona norte do Rio de Janeiro, a bailarina iniciou sua jornada aos oito anos em um projeto social e, desde então, rompeu barreiras que o mundo da dança insistia em manter de pé. Hoje, é primeira bailarina do Dance Theatre of Harlem, em Nova York, onde também atua como ativista e referência global na luta por representatividade e diversidade. Entre conquistas simbólicas e marcos históricos, Ingrid vem usando a dança como ferramenta de transformação social. Fundadora da organização EmpowHer NY e cofundadora do Blacks In Ballet, ela é uma das grandes vozes de sua geração, dentro e fora dos palcos.
Ingrid, você costuma dizer que sua jornada começou com um par de sapatilhas pintadas. Olhando para tudo o que você conquistou até aqui – de Benfica à ONU – o que você mais gostaria de ter ouvido lá no início da sua trajetória?
Gostaria de ter ouvido que eu não precisava me encaixar em moldes para ser suficiente, que minha autenticidade seria, um dia, minha maior força.
Você vem explorando novas formas de expressão além da dança, como os livros. O que tem te movido criativamente nessa fase da vida?
Tenho sido movida pela vontade de contar histórias que vão além do corpo, de traduzir em palavras e movimentos as emoções, memórias e vivências que me atravessam. É como se cada nova forma de expressão fosse uma extensão da dança, um jeito diferente de continuar dizendo o que preciso dizer.
Coreografar tem te levado para um novo lugar artístico?
Sim, tem sido como abrir uma nova porta dentro de mim. É diferente de dançar, porque é mais sobre escutar o outro, criar espaços para que outras vozes e corpos também contem suas histórias. O processo tem sido desafiador, mas profundamente revelador. Estou aprendendo a confiar mais na minha intuição.
Durante anos você precisou pintar suas sapatilhas por falta de opção para peles negras. Hoje, isso virou símbolo de representatividade. Como você enxerga a potência do gesto artístico como ato político?
A arte tem uma força silenciosa que atravessa barreiras e, às vezes, um gesto simples, como pintar uma sapatilha, carrega um grito inteiro. Sempre acreditei que existir com verdade já é um ato político. Quando um corpo negro ocupa um espaço que historicamente lhe foi negado, isso por si só é arte e resistência. O gesto artístico tem potência porque toca onde argumentos muitas vezes não chegam: ele sensibiliza, questiona e transforma.
O projeto Blacks In Ballet já impactou inúmeras pessoas. O que você aprendeu ouvindo e compartilhando as histórias de outros bailarinos negros?
Aprendi que, embora nossas trajetórias sejam únicas, há uma dor compartilhada, mas também uma força imensa que nos conecta. Ouvindo essas histórias, percebi que não estamos sós, e que a representatividade não é apenas sobre estar no palco, mas sobre abrir caminhos para que outros também possam chegar. É um aprendizado constante sobre resiliência, pertencimento e a beleza de reescrever narrativas com orgulho.
O seu discurso na ONU emocionou ao conectar arte, maternidade e futuro. Como esses assuntos têm se entrelaçado na sua vida nos últimos anos?
De forma orgânica, quase inevitável. A maternidade me ampliou e me fez olhar para o mundo com mais urgência e mais esperança. A arte virou também um legado, uma forma de cuidar e sonhar para além de mim. E o futuro deixou de ser algo distante: passou a ser pessoal, íntimo. Quando danço, crio ou falo, é sempre pensando no que estou deixando para quem vem depois. Tudo agora tem mais propósito, mais verdade.
Você costuma dizer que o balé foi uma ponte para o mundo – mas o acesso a essa ponte ainda é desigual. Como podemos trabalhar para que mais crianças negras e periféricas possam cruzá-la?
Precisamos começar reconhecendo que talento não nasce onde há privilégio, nasce em todo lugar – o que falta é oportunidade. Para mudar isso, é essencial investir em políticas públicas, descentralizar o acesso à formação artística e valorizar os educadores que atuam na base. Precisamos também mudar o imaginário: mostrar que crianças negras e periféricas pertencem ao balé, não como exceção, mas como parte da história que estamos reescrevendo juntos.
Que papel você acredita que as escolas e projetos sociais têm nesse caminho?
Eles desempenham um papel fundamental no desenvolvimento individual e coletivo, especialmente em contextos de vulnerabilidade social. Eles não apenas oferecem acesso a conhecimentos formais, mas ainda contribuem para a formação de valores, identidade e cidadania.
Você comentou recentemente sobre a vontade de ter sua própria companhia de dança. Já consegue imaginar como seria esse espaço e qual seria sua missão artística?
Sim, venho sonhando cada vez mais com esse lugar e, aos poucos, ele vai ganhando forma na minha imaginação. Um espaço onde a arte fosse ferramenta de expressão, resistência e pertencimento, especialmente para corpos que historicamente foram marginalizados nos palcos e nas narrativas artísticas.
O que você espera para o futuro do balé no Brasil?
Espero que o balé aqui se torne, cada vez mais, um contexto plural, acessível e representativo. Que ele deixe de ser visto como uma arte elitizada e distante, e passe a refletir a diversidade real do nosso país com mais corpos pretos, periféricos, indígenas, trans e de diferentes biotipos sendo valorizados, não apenas como exceções, mas como parte central da cena artística.
Como você vive a conexão entre autoexpressão e resistência?
Para mim, autoexpressão é resistência. Cada vez que coloco meu corpo em cena, com minha história, minha origem e minha verdade, estou afirmando que eu existo e que minha voz importa. Expressar quem sou, num mundo que tantas vezes tenta silenciar certas identidades, é um ato político necessário.
EXTRA
Ao olhar para sua filha na plateia, o que passa pela sua cabeça? O que você espera que ela aprenda com tudo que você tem construído?
Quando olho para ela na plateia, vejo o reflexo mais puro do porquê eu sigo. Passa um turbilhão: amor, força, responsabilidade. Espero que ela aprenda que pode ocupar qualquer espaço sendo inteira, sem precisar se moldar. Que entenda que sua história tem valor e que ela pode transformar o mundo com coragem, sensibilidade e verdade.
Em que momento você se sentiu verdadeiramente vista – e por que essa experiência foi significativa?
Quando, após uma apresentação, uma senhora me disse que se reconheceu na minha dança. Naquele momento, entendi que ser vista é ser compreendida e que a força está em ser autêntica.
